Fotobücher

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Walker Evans und Henri Cartier-Bresson gehörten derselben Generation an und teilten eine unstillbare intellektuelle Neugier. Ihre Werke waren 1935 zusammen in der Julien Levy Gallery in New York ausgestellt worden und sie teilten sich eine Zeit in Amerika, als Cartier-Bresson zwischen 1946 und 1947 achtzehn Monate damit verbrachte, seine Ausstellung im Museum of Modern Art vorzubereiten. Dieses Buch zieht eine Parallele zwischen den Arbeiten von Evans und Cartier-Bresson über Amerika in der Zeit von 1930 bis 1947. Wie John Szarkowski argumentierte, definierte Evans in seinem Werk die Essenz der dokumentarischen Ästhetik. Cartier-Bresson hingegen machte einen Neuanfang, ließ seine Arbeit in der Bewegtbildsprache hinter sich und begann eine Karriere als Standfotograf. Aber beide näherten sich ihrer Arbeit als eine Form der Gesellschaftskritik, durchdrungen von Bezügen zu Literatur und Malerei. Photograph America bietet die Gelegenheit, die Visionen dieser beiden bahnbrechenden Meister der Fotografie gleichzeitig zu konfrontieren und zu vergleichen.

Sowohl Anfänger als auch Experten werden ein tieferes Verständnis für großartige Fotografen und ihre Arbeit erlangen, während Ian Jeffrey Schlüsselbilder entschlüsselt und den Bildern und ihren Schöpfern wesentliche biografische und historische Hintergründe liefert. Profile von mehr als 100 bedeutenden Fotografen, darunter Alfred Stieglitz, Bill Brandt, Henri Cartier-Bresson, Walker Evans, Paul Strand und László Moholy-Nagy, beleuchten Stile und Bewegungen in der Geschichte der Fotografie. Jeder Eintrag enthält eine Biografie sowie eine aufschlussreiche Diskussion der wichtigsten Werke und umfangreiche Kontextinformationen, die dieses Buch zum idealen Galeriebegleiter für Fotografieliebhaber auf der ganzen Welt machen.

'Eve Arnold's People' vereint die schönsten Arbeiten einer der großen Fotografinnen des 20 die Einstellungen. Dieser Überblick über ihre außergewöhnliche Karriere umfasst nicht nur klassische und faszinierende Fotografien von Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Clark Gable, Paul Newman, Joan Crawford und Elizabeth Taylor, von denen Eve viele näher kennengelernt hat, sondern auch von alltäglichen Menschen bei der Arbeit und im Beruf auf der ganzen Welt spielen. Unabhängig von der Berühmtheit des Motivs bleiben Eves unerschütterlicher Blick und ihre Fähigkeit, den Geist der Person vor der Linse zu vermitteln, konstant. Erstellt mit Eves Beteiligung und mit Texten von Anjelica Huston und Isabella Rossellini und Beiträgen von Freunden, Mitarbeitern und kreativen Kollegen – Elliott Erwitt, John Tusa, David Puttnam, Michael Rand, Mary McCartney, Sheena McDonald, Jon Snow und Beeban Kidron – dieses Buch stellt Eve Arnold zu Recht in den Mittelpunkt des Kanons der fotografischen Größen. Es ist auch ein Beweis für die große Aufmerksamkeit, die ihre Arbeit von der neuesten kreativen Generation inspiriert hat.


Das ultimative Fotobuch zur Familiengeschichte

Meine Urgroßmutter Jo Henderson wurde 1899 – zu Beginn eines neuen Jahrhunderts – im ländlichen Missouri geboren. Als Teenager kaufte sie sich eine Kamera und machte Hunderte von Bildern von Freunden, Verwandten und Nachbarn. Sie fotografierte Angelausflüge, die örtliche Badestelle, Osterpicknicks, Familientreffen, Schulräume und Verandas in Old Linn Creek, Missouri, einer Stadt, die heute unter dem Wasser des Lake of the Ozarks liegt.

Meine Favoriten zeigen seltene Blicke auf Mädchen, die herumalbern: auf einem Harley-Davidson-Motorrad sitzen, in geblümten Basketballuniformen oder den Uniformen ihrer Brüder aus dem Ersten Weltkrieg posieren, im örtlichen Bach „Taufe“ spielen oder mit Freunden schüchtern sitzen.

Wie Sie sich vorstellen können, ist Jos Fotoalbum ein wertvoller Besitz in unserer Großfamilie. Aber es war im Haus eines Verwandten versteckt und verschlechterte sich allmählich. Deshalb hat meine Tante Judie vor ein paar Jahren Hunderte von Stunden damit verbracht, 300 hochauflösende Bilder zu scannen und ein 76-seitiges digitales Fotobuch zu erstellen, um Jos Album zu bewahren. Sie wollte die Bilder aufbewahren, um sie für die kommenden Jahre mit der Familie zu teilen.


Das Fotobuch Ian Jeffrey

Ausgefallener Preis AUD$75.00 Preis AUD$45 Ausgesuchter Preis 65,95 € Preis 39,57 € Ausgeschlagener Preis &euro49,95 Preis 29,97 € Ausgeschlagener Preis £39.95 Preis £23.97 Ausgeschlagener Preis T59.95 Preis T35.97 Ausgesuchter Preis 59,95 USD Preis 35,97 USD

Geschenkoptionen an der Kasse verfügbar

Eine überarbeitete und aktualisierte Ausgabe von Phaidons Bestseller, die dieses bahnbrechende Werk mit neuen Ergänzungen zu den neuesten Entwicklungen in der Fotografie auf den neuesten Stand bringt. Das Fotobuch ist eine unübertroffene Sammlung von mehr als 550 hervorragenden Bildern, die die besten Fotografen der Welt von der Mitte des 19. Jahrhunderts bis heute repräsentieren. Alphabetisch nach Fotografen geordnet, präsentiert es Pioniere wie Gustave Le Gray und Daguerre, Ikonen wie Robert Capa und zeitgenössische Namen wie Richard Wentworth und Carolee Schneemann. Die Auswahl umfasst Mode, Sport, Naturgeschichte, Reportage, Gesellschaftsportrait, Dokumentarfilm und Kunst, wobei prägnante Texte nützliche Einblicke in jedes Werk und seinen Schöpfer geben. Ebenfalls enthalten sind umfangreiche Querverweise und Glossare zu Fachbegriffen und Bewegungen. Spezifikationen:


Fotografie: Eine kurze Geschichte

Jeffrey gelingt es hervorragend, die Verbindung zwischen den verschiedenen Phasen und Orten der Fotografie und der Entwicklung als Kunstform (sowohl populär als auch "fein"), Dokumentation und Kommunikation zu destillieren. Von der frühen britischen Bildsprache über Reiseberichte bis hin zu den Ethnografien des Deutschlands vor dem Zweiten Weltkrieg und der Dust Bowl of America und dann weiter durch die Straße der 60er und 70er Jahre.

Angesichts dessen, was dieses Werk sein soll – eine *prägnante* Geschichte – ist es schwer zu kritisieren. Es gibt viele Dinge, die man hätte behandeln können Jeffrey gelingt es hervorragend, die Verbindung zwischen den verschiedenen Phasen und Orten der Entwicklung der Fotografie als Kunstform (sowohl populär als auch "fein"), Dokumentation und Kommunikation zu destillieren. Von der frühen britischen Bildsprache über Reiseberichte bis hin zu den Ethnografien des Deutschlands vor dem Zweiten Weltkrieg und der Dust Bowl of America und dann weiter durch die Straße der 60er und 70er Jahre.

Angesichts dessen, was dieses Werk sein soll – eine *prägnante* Geschichte – ist es schwer zu kritisieren. Es gibt viele Dinge, die ausführlicher behandelt werden könnten, aber das wäre für ein anderes Buch. Jeffrey hat zu vielen theoretischen Ansätzen eindeutig seine eigene Haltung, lässt sich aber nicht davon abhalten, eine klare Geschichte zu schreiben. Seine Vorurteile und Argumente sind eher implizit als explizit.

Auf jeden Fall jedem zu empfehlen, der eine Einführung in die Geschichte der Fotografie als Kulturmedium und nicht als technisches Medium sucht. . mehr


Geschichte der Fotografie: Von 1839 bis heute

تاریخ عکاسی بیومنت نیوهال تا حد زیادی شبیه باقی کتاب‌های تاریخ عکاسی . برای مبتدیان که می‌خواهند جریان‌های عکاسی اختراعش تا حدود دهه ۸۰ میلادی آشنا .
این کتاب را با تاریخ عکاسی لنفگورد همزمان مطالعه . نظرم بیومنت نیوهال با بیشتری مباحث تاریخی را مورد بحث قرار . اینکه مزیت این کتاب به کتاب آن است سیر جریان‌های عکاسی هم پیوسته . نیوهال به شکلی تاریخ روایت می‌کند به فصل بعد گریز می‌زند نیوهال تقریبا زیادی شبیه باقی کتاب‌های تاریخ عکاسی . برای مبتدیان که می‌خواهند جریان‌های عکاسی از اختراعش تا دهه ۸۰ میلادی آشنا .
این کتاب را با تاریخ عکاسی لنفگورد همزمان مطالعه . نظرم بیومنت نیوهال با بیشتری مباحث تاریخی را مورد بحث قرار . اینکه مزیت این کتاب به کتاب آن است سیر جریان‌های عکاسی هم پیوسته . نیوهال به شکلی تاریخ روایت می‌کند فصلی به بعد گریز می‌زند مباحث پیوسته از آب .
کتاب لنگفورد اینطور نیست. خیلی ساده‌تر و کلی‌تر می‌کند و مباحثش از هم گسسته . مثلن شما نمی‌دانید که از عکاسی صریح رسیدیم به دوران مدرنیسم .
سری بحث‌های معمولی است به طور کلی گفته . این را هم ذکر که تاریخ عکاسی در سال‌های دهه ۸۰ بهتر بررسی . یعنی دوران پسا مدرنیته و اندیشه انتقادی را بازتر . صورتی که بیومنت نیوهال کتاب را سرهم کرد و بسیاری از عکاسان فصل آخر معرفی کرد بدون هایشان را بررسی .

ترجمه کتاب چندان روان نیست ولی قابل فهم . ارجاعات کتاب‌ هم بسیار دقیق نوشته شده است.
می‌کنم برای فهم بهتر عکاسی کتاب لنگفورد و نیوهال را با هم . . mehr

Meine Ausgabe ist von 1949, ich habe sie in einem kleinen Second-Hand-Buchladen in Slowenien gefunden und sie ist einer der glücklichsten Funde, die ich je gemacht habe.

Das Buch ist sehr umfassend und es ist lustig und erstaunlich für mich, wie viele Einstellungen sich seit mehr als 100 Jahren nicht geändert haben. Ist Fotografie eine Kunst? Manche behaupten immer noch, nein, das ist es nicht. Diese Diskussion wird seit dem 19. Jahrhundert geführt. Eine andere - die Leute benutzten ihre 35-mm-Kameras, um die ganze Zeit überall Schnappschüsse zu machen, sogar bei Theaterstücken. Meine Ausgabe ist von 1949, ich fand sie in einem kleinen Second-Hand-Buchladen in Slowenien und es ist einer der glücklichsten Funde, die ich je gemacht habe.

Das Buch ist sehr umfassend und es ist lustig und erstaunlich für mich, wie viele Einstellungen sich seit mehr als 100 Jahren nicht geändert haben. Ist Fotografie eine Kunst? Manche behaupten immer noch, nein, das ist es nicht. Diese Diskussion wird seit dem 19. Jahrhundert geführt. Ein anderer - die Leute benutzten ihre 35-mm-Kameras, um überall und die ganze Zeit Schnappschüsse zu machen, sogar bei Theaterstücken, also mussten sie sie dort verbieten. Sie befürchteten auch, dass diese Kameras den künstlerischen und technischen Wert der Fotografie schmälern würden. Einfach zu viele Amateure! Klingt vertraut? Denn Smartphones wecken heute die gleichen Meinungen.

Dieses Buch ist sehr lesenswert und hält wirklich gut, ich habe viele Informationen gefunden, die ich noch nie im Internet gesehen hatte. Wahrscheinlich, weil Online-Leute sich auf das Neueste und Größte konzentrieren und völlig vergessen, dass die Argumente, die sie vorbringen, schon oft vorgebracht wurden. Und das ist für mich das Schöne an diesem Buch, es beweist einmal mehr, dass es sich lohnt, Geschichte zu studieren, weil sie uns davor bewahrt, in die Fallen zu tappen, die die vorherigen Generationen taten. Wir denken gerne, dass die Dinge dieses Mal anders sind, wenn sie oft genug nur an der Oberfläche anders erscheinen. Ich bin kein Befürworter des Historismus, Sie werden aus diesem Buch nicht die Zukunft der Fotografie ableiten, aber es wird Ihnen ein gutes Lachen geben, wenn Sie jemals online Diskussionen über Fotografie gelesen haben. . mehr


Secreto Sarayaku, von Misha Vallejo

Ein junger Mann inspiziert die Haut eines Speeres, der als Tamburin getrocknet wird. Vor wichtigen Feierlichkeiten wie dem Uyantza Raymi verbringen die Männer mehrere Wochen tief im Dschungel, jagen und fischen für die gesamte Gemeinde. Die Gemeinschaft verschwendet nichts und verwendet jeden Teil des Tieres entweder für Nahrung, Kleidung oder Instrumente. (Misha Vallejo) Bäume im Dschungel sind Zentren der Artenvielfalt, die den Fortbestand des Lebens sichern. Einige Bäume sind seit Jahrtausenden am Leben und diese sind wesentlich für die Aufrechterhaltung des spirituellen Gleichgewichts, mit dem jedes Mitglied der Gemeinschaft kommunizieren und sich mit ihnen verbinden kann. (Misha Vallejo) Magdalena Santi streicht Wituk durch ihr Haar. Wituk ist eine dunkle Tinte, die aus einer amazonischen Frucht, auch bekannt als Wituk, hergestellt wird und bis zu zwei Wochen im Haar einer Person verbleiben kann. Dieses Pigment ist ein sehr wichtiger Teil der Sarayaku-Traditionen. (Misha Vallejo) Javier Cisneros nimmt während der Pachamama-Feier an einem Kampf auf dem Hauptplatz der Gemeinde teil. (Misha Vallejo)

Die Fotos in Secreto Sarayaku ein surreales, transformierendes Gefühl haben. Als wärst du schnell vom ecuadorianischen Fotografen Misha Vallejo entführt worden und unter den Kichwa von Sarayaku gefallen. Diese Bewohner des ecuadorianischen Amazonas-Regenwaldes haben eine besondere Verbindung zum Dschungel und glauben, dass es sich um ein lebendiges, bewusstes Wesen handelt, bei dem alle Teile miteinander verbunden sind. Vallejo hat ihren Alltag für dieses Projekt dokumentiert, eine Sammlung wunderschöner visueller Details der alltäglichen, dramatischen Porträts und Dschungellandschaften. Die Kichwa haben zu ihrem Vorteil Technologien in ihr Leben integriert, von Sonnenkollektoren in ihrem Haus bis hin zu Satelliten-Internetzugang. Als sie mit den Interessen von Big Oil konfrontiert wurden, nutzten sie soziale Medien, um sich für ihre Umweltbotschaft einzusetzen und weltweit Unterstützer zu gewinnen. Vallejo versucht, ihre Weltsicht vor der Kamera zu reflektieren: dass der Schutz ihres Zuhauses nicht nur für ihr eigenes Überleben, sondern auch für das der Menschheit von grundlegender Bedeutung ist.


Dank fachmännischer Kolorierungen von Jordan Lloyd von Dynamichrome werden historische Fotografien lebendig.

Krafthausmechaniker bei der Arbeit an einer Dampfpumpe, 1920. (Foto: Lewis Hine/WPA)

Wilbur Wright steuert am 10. Oktober 1902 in Kitty Hawk, North Carolina, ein Segelflugzeug in Originalgröße. (Foto: Library of Congress)

Eisgrotte in der Antarktis, 1911. (Foto: Herbert Ponting/Fotoarchiv, Alexander Turnbull Library)

Ein Douglas SBD &ldquoDauntless&rdquo-Tauchbomber balanciert nach einer Bruchlandung auf einem Flugzeugträger-Flugdeck im Pazifik 1943 auf seiner Nase. (Foto: Library of Congress)

Besteigung der Großen Pyramide von Gizeh, zwischen 1867 und 1899. (Foto: Maison Bonfils/Library of Congress)


Fotobücher - Geschichte

2020
--> Juni 2020
336 Seiten.
$35.00

Taschenbuch ISBN: 9781503608665
E-Book-ISBN: 9781503612327

Ein bildreicher Feldführer zur amerikanischen Fotografie, von der Daguerreotypie bis zur Digitalfotografie.

Wir sind jetzt alle Fotografen, mit Fotohandys in der Hand und Social-Media-Konten griffbereit. Und wir wissen, welche Bilder uns gefallen. Aber was macht ein "gutes Bild" aus? Und wie konnte jemand denken, dass diese alten Stile tatsächlich gut waren? Weichzeichner-Jahrbuchfotos aus den 80er Jahren sind heute hoffnungslos – und glücklicherweise – veraltet, ebenso wie die in den 1940er Jahren modischen Flachwinkelporträts oder die leeren Blicke der 1840er Jahre. Von Porträts über Produkte, Landschaften bis hin zu Food-Bildern, Gute Bilder beweist, dass die Geschichte der Fotografie eine Geschichte wechselnder Stile ist.

In einer Reihe kurzer, fesselnder Essays deckt Kim Beil die Ursprünge von fünfzig fotografischen Trends auf und untersucht ihre ursprüngliche Anziehungskraft, ihren Niedergang und manchmal ihre Wiederverwendung durch spätere Fotografengenerationen. Basierend auf einer Fülle von visuellem Material, von Vintage-Handbüchern bis hin zu Zeitschriftenartikeln für berufstätige Fotografen, veranschaulicht dieses farbige Buch die Entwicklung von Trends mit Hunderten von Bildern, die von Amateuren, Künstlern und kommerziellen Fotografen gleichermaßen erstellt wurden. Ob für Selfies oder Sepia-Töne, die Regeln für gute Bilder ändern sich ständig und spiegeln neue Denkweisen über uns selbst und unseren Platz in der Bildwelt wider.

Kim Beili lehrt Kunstgeschichte an der Stanford University und schreibt über moderne und zeitgenössische Kunst für Publikationen wie Artforum, Kunst in Amerika, und Foto. Sie betrachtet Instagram als Recherche und ist unter @kim.beil zu finden.

„Dies ist ein großartiges Buch – als ich es einmal in die Hand genommen hatte, konnte ich es nicht mehr aus der Hand legen. In einer Reihe von druckvollen und perfekt bewerteten Miniaturen stellt uns Kim Beil die vergessenen Einflussfaktoren des fotografischen Stils vor und stellt diese Stimmen in den Vordergrund. und zentrieren sich in all ihrer Schärfe, Gewissheit und Beredsamkeit.In einem großen Dienst an der Fotogeschichte holt sie aus vernachlässigten Anleitungen eine Fundgrube, die lange auf eine solche Behandlung gewartet hat. Gute Bilder bringt eine elegante Kohärenz in die große Heterogenität der fotografischen Praxis, ohne diese Heterogenität jemals aus den Augen zu verlieren."

—Peter Buse, Autor von Die Kamera erledigt den Rest: Wie Polaroid die Fotografie veränderte

„Erst als ich Kim Beils gelesen habe Gute Bilder dass ich meine eigene kleine Sammlung von Lehrfotobüchern nicht nur aus praktischen Gründen oder ironisch lesen konnte, um ihre veraltete Naivität zu verspotten, sondern auf eine dritte Art und Weise. Beils Essays öffneten mir die Augen für den enormen Wert, den diese Bücher für unser kritisches Verständnis des Mediums haben."

—Alec Soth, Magnum-Fotograf

"Der täuschend einfachen Frage nachgegangen, was ein gutes Bild ausmacht, befasst sich Kim Beils faszinierendes und informatives Buch mit den Chemien, Kameras, visuellen Techniken und Themen, die Fotografen seit der Erfindung des Mediums inspiriert haben. Dabei nimmt sie die einheimische Fotografie auf und Fotografen ernst und bietet eine frische und wesentliche neue Perspektive auf die Fotogeschichte."

—Catherine Zuromskis, Autorin von Schnappschuss-Fotografie: Das Leben der Bilder

„In einem reichhaltigen und aufwendig recherchierten neuen Buch schlüsselt der Stanford-Kunsthistoriker Kim Beil 50 Trends auf, die das gesellschaftliche Bild als ‚gutes Bild‘ beeinflusst haben. Wie Beil feststellt, ändern sich die Regeln ständig – und ihre Entwicklung zu verfolgen ist eine brillante Methode um umfassendere Veränderungen in unserer Gesellschaft und uns selbst zu erforschen und zu reflektieren."

— Shana Nys Dambrot, LA Wöchentlich

"Durch das Studium der Vorlieben und Vorurteile von Fotografiehandbüchern im Laufe der Zeit offenbart Beil eine frische und faszinierende Geschichte des Mediums, die hohe und niedrige Kunst, professionelle und Amateurpraktiker verbindet."

—Georg Philip LeBordais, Los Angeles Buchrezension

"Dies ist eine wesentliche Methodentaxonomie, die beredt beschrieben wird und die für Amateur- und Profifotografen, Grafikdesigner und alle, die sich für den Einfluss des reflektierten und belichteten Bildes auf die Geschichte der Welt interessieren, aufschlussreich sein wird Vision und die Vision von Geschichte."

"[Biel]s Schreibstil ist einladend und leicht verständlich. Gute Bilder ist ein geeignetes Buch für diejenigen, die mehr über die Geschichte der ästhetischen Trends in der amerikanischen Fotografie erfahren möchten." –Eboni Jones, ARLIS/NA Bewertungen


25 Fotobücher, die Sie inspirieren werden

Die meisten Fotografen unterschätzen die Kraft eines guten Buches. Während das Durchsuchen von Pinterest und Instagram manchmal zu Inspiration führen kann, ist es eine ganz andere Sache, ein Buch mit hochwertigen Drucken in den Händen zu halten, die als Ganzes betrachtet werden sollen. Hier listen wir (in keiner bestimmten Reihenfolge) einige der inspirierendsten Fotobücher auf, die jemals veröffentlicht wurden, die Ihre Kreativität entfachen und Ihre Leidenschaft für die Fotografie neu entfachen werden.

Die Fotobuch. Die Arbeit des französischen Fotografen Cartier-Bresson hat fast jeden Fotografen beeinflusst oder zumindest die Inspirationen jedes Fotografen inspiriert. Der entscheidende Moment ist ein Studium des Timings in der Fotografie und letztendlich der beste Ausgangspunkt, wenn Sie eine Sammlung von Fotobüchern anlegen.

Diese dokumentarischen Landschaften, die während des frühen Abschnitts von Hansons Karriere in den 1980er Jahren aufgenommen wurden, zeigen den ökologischen Ruin, der aus einigen der schlimmsten Geschäftspraktiken Amerikas resultierte. Es ist ein großartiges Beispiel für Fotografie mit einer Botschaft. Lesen Sie hier unseren vollständigen Testbericht.

Der zeitgenössische Fotograf Vincent Laforet macht, was noch kein Fotograf zuvor konnte: Hochauflösende nächtliche Luftaufnahmen von Stadtlandschaften machen. Die wilden, aber genauen Farben in diesem Buch enthüllen etwas Tieferes über die Menschheit und die Zivilisation. Lesen Sie hier unseren vollständigen Testbericht.

Der Vater der Landschaftsfotografie geht ausführlich auf sein Zonensystem der Belichtung ein. Wenn Sie mehr über seine Methoden erfahren möchten, können Sie auch nach den Teilen eins und drei dieser Reihe suchen, Die Kamera und Der Druck.

Der Titel sagt alles. Diese Sammlung von Essays konzentriert sich nicht auf tatsächliche Fotografien, sondern enthält einige der inspirierendsten und einflussreichsten Meinungen der berühmtesten Fotografen des frühen bis mittleren 20. Jahrhunderts.

In diesem spielt die Künstlerin mit der Grenze zwischen Realität und Fehlinterpretationen der Realität, die der Fotografie innewohnen, was zum Umdenken des gesamten Mediums führt.

Der berühmte Kriegsfotograf Robert Capa richtet seinen Blick auf die Straßen und fotografiert in Farbe und gibt eine einzigartige, rohe Interpretation des Alltags.

8. Magnum-Kontaktblätter von Kristen Lubben

Wenn Sie noch nie von der Magnum Photo Agency gehört haben, sollten Sie sie wirklich nachschlagen. Ehrlich gesagt hätte ich diese ganze Liste mit Büchern dieser Agentur füllen können, aber stattdessen schlage ich vor, dass Sie sich diese Sammlung der besten Arbeiten von Magnum für eine gesunde Dosis elitärer, moderner Fotografie ansehen.

Dieses Buch ist wie kein anderes, denn es verwendet einen Film, den fast kein anderer Fotograf jemals verwendet hat: Infrarotfilm. Ursprünglich vom US-Militär verwendet, um Soldaten in dichtem Gebüsch zu entdecken, verwendet Mosse es, um in dieser verheerend schönen Serie Kindersoldaten im Kongo zu dokumentieren.

Dies ist eigentlich eine Sammlung von Arbeiten des deutschen Fotografen Adreas Gursky, die von anderen Künstlern kuratiert wurde. Es ist voll von Gurskys charakteristischem Stil, der Muster und Details innerhalb der Gesellschaft auf miniaturisierende Weise zeigt.

Wie Sie auf dem Cover dieses Buches sehen können, hat Leifer einige der ikonischsten Sportfotos der Geschichte gemacht. Er hat ein Händchen dafür, zur richtigen Zeit am richtigen Ort zu sein, um schöne, einprägsame Bilder zu kreieren, die eine Geschichte erzählen.

12. Man Ray von Guido Comis, Marco Franciolli

Eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der frühen Fotografie wird in diesem Buch anerkannt und zusammengefasst, mit biografischen Notizen zu den Fotografien, die die moderne Fotografieästhetik mitprägten.

Diese Porträts mögen wie dokumentarische Bilder von Liebenden, Geschwistern oder Zwillingen erscheinen, tatsächlich sind es jedoch kunstvoll manipulierte Bilder derselben Person zweimal, die den feinen Unterschied zwischen äußeren und inneren Beziehungen darstellen.

Eines der bekanntesten Fotobücher aller Zeiten, Die Amerikaner fängt das Leben und die Zeit des Amerikas der 1950er-Jahre in einfachen, aber kraftvollen Bildern ein, die noch heute nachhallen.

Diese Kurationen wurden 1973 vom Fotokurator John Szarkowski des Museum of Modern Art vorgenommen und gelten immer noch als hervorragende Quelle für fotografische Größe. Dieses Buch konzentriert sich auf die Bilder selbst, bietet jedoch eine hervorragende und aufschlussreiche Erklärung dafür, wonach der Kurator in einem Bild sucht.

Dies ist vielleicht das erfolgreichste und angesehenste Fotobuch aller Zeiten. Es ist eine Sammlung von Bildern, die der Kurator als „Spiegel der wesentlichen Einheit der Menschheit auf der ganzen Welt“ bezeichnet. Fotografien, die in allen Teilen der Welt gemacht wurden, über die ganze Skala des Lebens von der Geburt bis zum Tod.”

Okay, dies ist also nicht wirklich ein Fotobuch, sondern eine Sammlung von Essays von Susan Sontag über das Wesen der Fotografie. Auch wenn es Ihnen vielleicht keine visuelle Inspiration gibt, wird es Sie dazu bringen, genauer darüber nachzudenken, was zum Teufel ein Foto eigentlich ist, als fast jedes andere Buch da draußen.

Eggleston gilt als Vater der Farbfotografie und prägte von Anfang an die Art und Weise, wie Farbe in Fotos verwendet und interpretiert wird. Dieses Buch ist eine Sammlung seiner auf 2 1/4 Zoll Farbfilm aufgenommenen Fotos von Alltagsmenschen und ist eine Studie über das amerikanische Leben in den 1960er Jahren.

Diese aktuelle Veröffentlichung ist eine Sammlung von Fotografien von David Bowie, die Mitte der 70er Jahre vom berühmten Porträtfotografen Steve Schapiro aufgenommen wurden. Es ist ein hervorragendes Beispiel für die Zusammenarbeit zwischen Fotograf und Motiv, wobei jedes Bild eine andere Seite des ikonischen Popmusikers offenbart. Lesen Sie hier unseren vollständigen Testbericht.

Richard Avedon gilt weithin als der Führer der Modefotografie des 20. Jahrhunderts. In diesem Überblick über sein Werk können Sie sehen, wie sich seine kreative Entwicklung entfaltet, während er über fünf Jahrzehnte die Populärkultur prägt.

Dies ist ein weiteres Buch mit einem treffenden Namen, da es das wichtige Zusammenspiel von Schatten und Licht untersucht. Obwohl die Bilder in dem Buch das britische Leben Anfang bis Mitte des 20. Jahrhunderts darstellen, sind es die Tonalität und das Zusammenspiel der Dichten, die eine sorgfältige Beobachtung verdienen.

In diesem stark konzeptuellen Buch baut die zeitgenössische Künstlerin Laura Letinsky auf ihrer früheren Arbeit beim Fotografieren von Esstischen auf, indem sie Bilder aus verschiedenen Quellen sammelt, darunter Zeitschriften, Freunde und ihr eigenes Backlog. Viele dieser Bilder sprengen die Grenzen zwischen privatem und öffentlichem Leben und hinterfragen zugleich das Wesen der Wahrnehmung.

Für diejenigen, die eine direktere Anleitung in ihrer eigenen Arbeit suchen, führt Matiash Sie durch seine systematische Methode, einen einzigartigen, wiedererkennbaren Fotografiestil zu entwickeln, der Sie jahrelang fotografieren wird.

Dieses Set aus drei Büchern untersucht die Verbindung zwischen Fotografie und Büchern selbst und befasst sich mehr mit dem Layout als mit einzelnen Fotos oder Themen. Durch die Verwendung verschiedener Materialien, Größen und Farbschemata untersucht Gossage die physische Form eines Fotos.

Wenn Sie immer noch nicht bereit sind, in einen der oben aufgeführten einzelnen Künstler einzutauchen, sollte dieses Buch Sie abgedeckt haben. Es listet, erklärt und gibt Beispiele von Hunderten von wichtigen und talentierten Fotografen, sodass Sie mit Sicherheit etwas finden, das Ihrer Kreativität freien Lauf lässt.

Es gibt sicherlich noch viele weitere ausgezeichnete Fotobücher, die es nicht in diese Liste geschafft haben, also lass uns wissen, was deiner Meinung nach in die Kommentare unten hätte aufgenommen werden sollen.


Eine Einführung zum Sammeln von Fotobüchern

Der erneute Besuch meiner Fotobuchsammlung hat mir während des Lockdowns viel Freude bereitet. Vor einem Dutzend Jahren, als das Fotogeschäft gut lief, habe ich das verfügbare Einkommen genutzt, um mit dem Sammeln zu beginnen. In diesem Artikel fasse ich zusammen, was ich damals nicht nur als Fotograf und Buchsammler wissen wollte, sondern auch aus der Sicht eines ehemaligen Galeristen und heutigen Verlegers.

Warum Fotobücher sammeln?

Der vorherrschende digitale Konsum von Fotografien kann das Betrachten von Fotografien in gedruckter Form nicht ersetzen. Es ist unersetzlich, Originaldrucke in Ausstellungen zu sehen, aber es gibt selbst in einer großen Metropolregion wie der San Francisco Bay Area nur eine begrenzte Anzahl von Museen und Galerien. Fotobücher, definiert als Bücher, bei denen die Botschaft hauptsächlich von Fotografien getragen wird, sind der praktischste Einstieg in die Arbeit eines Fotografen.

Im Gegensatz zu Zeitschriften sind sie physische Schönheitsobjekte mit überlegenen Produktionswerten wie Materialien, Design und Druck. Die Abfolge, das Layout und die Kombination von Bildern und Text fügt Bedeutungsebenen und Komplexität über einzelne Fotografien hinaus. Bücher aus einer bleibenden Aufzeichnung von Kunstwerken. Sie können selbst zu Kunstwerken aufsteigen, aber im Gegensatz zur Kunst im Museum oder in der Galerie ist das ein Kunstwerk, das man in der Hand halten kann.

Die Einfachheit und Materialität des Buches bieten ein Erlebnis, das sich ganz von elektronischen Medien unterscheidet. Buchen Sie durch die Jahrhunderte. In unserem Privatleben sind sie oft mit sentimentalen Werten beladen. Man kann argumentieren, dass es ohne Bücher keine moderne Zivilisation gäbe.

Es gibt viele Ansätze zum Sammeln von Fotobüchern, die gleichermaßen gültig sind. Zwei Enden des Spektrums sind, ausschließlich nach persönlichem Geschmack zu sammeln und andere externe Meinungen zu ignorieren, und ausschließlich nach Seltenheit zu sammeln, um Vintage-Erstausgaben in ausgezeichnetem Zustand zu suchen. Ich ging einen Mittelweg und sah Fotobücher als Vehikel, um mehr über die Fotografie zu erfahren und mein Wissen über ihre bedeutenden Künstler zu vertiefen.

Ich habe nicht versucht, mit der Sammlung ein Eiernest zu bauen, weil ich mich in erster Linie auf den Inhalt konzentrieren und Bücher nach Interesse kaufen wollte und nicht als Anlagemöglichkeit. Es ist jedoch nicht zu leugnen, dass der kaufmännische Aspekt des Hobbys Spaß machen und lehrreich sein kann, da er einiges an Wissen mobilisiert: Sie müssen recherchieren, budgetieren und Ihre Anschaffungen priorisieren.

Es könnte profitabel sein: Als ich bemerkte, dass Mack Masahisa Fukases Raben, um meinen fortgesetzten Zugriff auf das Werk zu gewährleisten, verkaufte ich das Exemplar der Rat Hole Gallery-Edition, das für weniger als 100 US-Dollar gekauft wurde, für 1.000 US-Dollar weiter. Beachten Sie jedoch, dass die Monetarisierung immer unsicher ist (dafür ist die Börse da!), und es gibt Anzeichen dafür, dass der Buchmarkt weicher ist als früher. Im Gegensatz zu Buchhändlern streben Sammler, selbst wenn sie Wertsteigerungen anstreben, im Allgemeinen nicht danach, diese zu monetarisieren. Wie bei jedem Sammeln kann der Prozess zufriedenstellender sein als das daraus resultierende Eigentum.

Fotobücher sind in den letzten zwei Jahrzehnten zu einem hohen Sammlerwert geworden, dank der jüngsten Wertschätzung und Anerkennung dieses speziellen Mediums und vielleicht der Nostalgie für physische Objekte. Manche Bücher können schnell mehr wert sein als ihr Listenpreis. Nachdem ich verstanden hatte, dass sorgfältig ausgewählte Bücher bei Bedarf gewinnbringend weiterverkauft werden können, zögerte ich weniger, ernsthaftes Geld auf diese Weise auszugeben.

Es gab Jahre, in denen ich mehr für Bücher als für Fotoausrüstung ausgegeben habe. Manchmal kaufte ich mehrere Exemplare, um sie weiterzuverkaufen, um mein Hobby, eine Art Handwerk, zu finanzieren. Während dieser merkantile Aspekt des Sammelns der Liebe zu Büchern untergeordnet bleiben sollte, ist er bei weitem am einfachsten zu erklären und zu quantifizieren, ähnlich wie die technische Mechanik von Fotografien, und deshalb werde ich mich darauf konzentrieren. Die Definition eines Sammlerstücks ist: Gebraucht mehr wert als es neu gekostet hat.

Der Wertekreislauf

Die Faktoren, die ein bestimmtes Objekt sammelbar machen, sind Knappheit und Nachfrage. Aufgrund des Bedarfs an hochwertigen Reproduktionen kostet der Druck von Fotobüchern viel mehr als andere Bücher und sind daher teurer. Höhere Preise führen dazu, dass die Nachfrage oft zu gering ist, um eine große Auflage zu rechtfertigen. Abgesehen von einigen beliebten Bildbänden gilt eine Auflage von einigen tausend Exemplaren als groß für ein Fotobuch. Gleichzeitig bleibt die Nachfrage, auch wenn sie gering ist, oft konstant. Irgendwann werden Kopien knapp und wertvoll. Der Zyklus für begehrenswerte Bücher geht so:

1. Das Buch wird bei der Veröffentlichung in der Nähe des Listenpreises verkauft, da Neuheit ein wichtiges Verkaufsargument ist.

2. Sobald die Neuheit abgenutzt ist, werden tiefe Rabatte (50% ist bei Amazon keine Seltenheit) verfügbar. Im Branchenjargon hat sich das Buch von „Frontlist“ zu „Backlist“ entwickelt: In Katalogen wird es nicht mehr vollständig beschrieben, sondern nur noch aufgelistet.

3. Exemplare sind meist ab Lager und großen Buchhändlern ausverkauft. At this point, they are available only via independent bookstores, and on Amazon via third-party sellers rather than Amazon itself. Prices start to rise back to list price.

4. Book is collectible, with new copies offered for increasing multiples of the original list price, and used copies in excellent condition not too far behind.

Buying at stage 1 guarantees that you get a copy at list price but at that point, it is possible that the price will go down and the book will not become collectible. A book entering stage 3 is likely to reach stage 4, so for those collectors that focus on the “collectible” aspect, this may be the safest time to buy. If at that point you are still on the fence, if do not buy and later you find yourself wanting the title, it may no longer be affordable, or even available at all.

For maximum savings, the best time to buy the books is in stage 2. However, some coveted books never go to this stage and instead quickly sell out upon release and become collectible. This can go pretty fast. Despite its print run of 5,000, the first printing of Treasured Lands (2016) sold out in less than a month. Watching the pre-orders, I initiated a reprint before the book even hit the stores.

Despite the book not checking most of the usual collectibility factors, in the few months between the fourth printing running out and the fifth printing’s availability, the price of a new copy rose to more than three times the list price, while damaged copies sold over the list price. Pre-publication copies of Alec Soth’s Broken Manual sold at art fairs such as Paris Photo. By the official publication date, not a single copy was available from the publisher. I passed on the limited edition available from the artist because it was priced in the high hundreds of dollars. Copies now start at $6,500.

Other books never leave stage 2, and their price keeps dropping over time, as there is no demand. Mein erstes Buch, Beautiful North America retails for a fraction of its list price. That book was not my best effort: I only provided images as required by the publisher. Given the target market of discount stores, their effort in editing, design nor printing quality wasn’t the greatest. I regret this book, and in that case, it would seem that the market’s assessment of its value is correct. However, there also are plenty of absolutely great books that never become collectible and can be bought at bargain prices.

Factors to Look For

Authorship. Generally speaking, books that are a compilation of images by several photographers, especially if derived from stock libraries, lack an authorial voice and therefore are seldom considered works of art. That is the case of many coffee-table books. Exceptions include vernacular photography when curated in some clever way (as pioneered by Mandel and Sultan’s Evidence) and some exhibit catalogs.

In 1975, The New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape was a rare revolutionary exhibit. Even though published 35 years later, the exhibit survey was a much sought after record of it.

Significance/appeal of the artist and work. Work by artists without institutional art world recognition (exhibited in museums and galleries, reviewed in major publications) is less likely to be collectible and the same principle applies to their books. Some artists have such a reputation and manage so carefully their editions, that almost every one of their books becomes collectible. For a given artist, their earlier work or first breakthrough publication is often more sought after. If their career is, sometimes unfairly, defined by a publication, like Robert Frank by The Americans, it is no surprise that demand for that particular publication will be higher.

Although more than 50,000 copies were printed, after Robert Frank’s passing, demand for The Americans quickly drove used copies to more than five times the list price. Reprints have since then reappeared for the work, but not for the monumental catalog of the exhibit dedicated to the book.

Printing quality. Some older books, such as Brassai’s Paris de Nuit used to great effect the photogravure printing process to produce rich and sooty blacks. However, generally speaking, photographic printing quality made such great strides in the 1980s that most books published prior look mediocre compared to recent books. The newer books, therefore, provide more enjoyment even though they may not be as valuable as the older, rarer books.

Some publishers are known for their uncompromising attention to printing quality. In a publisher’s output, not every book is of the same quality. Within their commitment to publishing most of William Eggleston’s work, Steidl’s Chromes volume set was exceptionally well printed, whereas the follow up Los Alamos is just very good. Word has gotten out, and the former is more sought after.

After finding a copy of the first edition of the Portfolios of Ansel Adams, I was disappointed by the printing quality compared to the modern version. After reviewing several, I found out that the big jump in quality occurred between the 1st edition (1977) and the second edition (1982). Their advertising on the cover page was justified.

Elaborate Productions. A lot more goes into book production than printing quality, and this can include special materials for casings, unusually large trims, of which the most well-known example is Helmut Newton’s Sumo, elaborate slipcases, fold-out pages, and unconventional types of binding. For books that exist both as hardcover and softcover, the former is always preferable.

A family-owned publisher like Nazraeli pays individual attention to every book, tailoring design, materials (such as the bamboo boards for Michael Kenna’s Hokkaido), slipcases, trims (Jeff Liao’s Habitat 7 is 24×12 inches, edition of 500) to fit each body of work and create a unique object.

Size of the print run. Everything being equal, the smaller the print run, the more valuable the book. Coffee-table books destined to the general public often have large print runs above 10,000. As a photography contributor to the two latest National Geographic books about national parks, I received a contract that stated a print run of 50,000 each.

On the other hand, many publishers specializing in “artsy” photography books, especially in Europe, issue print runs in the hundreds. Being geared for the collector market, they often specify the edition size, a piece of information generally not available otherwise. Because of the cost of setting up offset presses and the lack of other economies of scale, the smaller the print run, the higher the production costs per unit, and therefore the higher the retail price.

In measurable terms such as page per dollar, those books can be an order of magnitude more expensive than mass-produced coffee-table books. Even though those editions are not limited in the sense that the publisher leaves to door open for a reprint, in practice, they rarely occur because demand is limited to collectors.

The copyright page of both those diminutive titles states that they are issued in an edition of 500.

Herausgeber. Books from some publishers (for example National Geographic) are hardly ever collectible, while almost everything that some other publishers put out is. This is simply because the later’s productions always check the four criteria mentioned above so they become known for publishing significant artists, in exquisitely crafted books of generally short print runs. This in turn generates prestige that attracts the best, a self-reinforcing loop.

Steidl was the gold standard, with their art publishing program partly funded by some other aspects of their publishing enterprises, but while they remain a major force many contemporary photographers seem to have migrated to Mack.

Non-profit publishing, a model that works well for photography books, is represented by museum or university presses, and associations such as Aperture and Radius. The later puts out books representing a great value given their production quality. The renewed interest in the photography book and the increased accessibility of publishing and printing resources has led to a profusion of very small publishers, whose work often surpasses that of more established ones. Some of the most prized books are artist books, sometimes made by hand.

Lodima Press, a small publisher created by a pair of fine art photographers, has used up to 600 line-screen whereas 175 line-screen (which requires 350 PPI) is standard – the Brett Weston portfolios, containing only about a dozen images each, retailed for $60 or more.

Limited editions. Sometimes, concurrently to a trade, unlimited edition, a limited, numbered edition of the same work is offered. Those books are certainly more valuable, but I normally pass on them because they can expensive, especially if the offering includes a print. I find them worth it when the limited edition is a different and more appealing presentation of the work.

Chris Killip’s Here Comes Everybody came in two editions. The trade edition looks like any other photo book. The limited edition (300 copies) is an elaborate production that resembles a photo album with tissue overlays and tipped-in plates, recreating the way the book originated.

First editions. Editions refer to a book being re-issued with substantial updates, a different presentation such as softcover vs. a hardcover, or a different publisher. They are more relevant to guidebooks or technology tutorials, but even art books are sometimes re-issued with additional images or commentary. Editions are often mentioned as part of the title.

Printings refer to the book being re-issued in identical or near-identical form. They are indicated on the copyright page. If you don’t find a mention such as “2nd printing”, there may be a series of numbers on the copyright page such as “10 9 8 7 6 5 6 5 4 3 2”, with the last number representing the printing. Sometimes, only the year of the printing is indicated, and you need to research the printing history of the book to figure out which printing it is.

Even if a book has a large total print run, the number of copies of the first edition and first printing (sometimes abbreviated as first edition) can be much smaller, which makes it valuable to collectors seeking rare books.

When Steidl reissued Henri Cartier-Bresson’s The Decisive Moment, I bought a copy to use for reading, as my 1952 first edition copy was literally falling apart. Despite the availability of the reprint, the value of such a tattered copy didn’t fall, while copies in excellent condition continued to command high prices.

Zustand. Everything else being equal, in the collector world, a book’s condition is the most important factor in determining its value because even if an old book is not particularly rare, a copy in excellent condition is. From worst to best, the following terms are used: poor, fair/acceptable, good, very good, near fine, fine/like new, new.

Most collectors consider that “good isn’t good enough”, and seek books in condition at least “very good”: minor signs of wear, but no tears and no markings. It is important to take good care of one’s books. The better the book is, the more likely one is to share it with others, so the more likely it will get worn out no matter how careful you are. For this reason, some collectors like to buy two copies of titles they are excited about, one to read, and the other to keep in pristine condition, under the publisher’s shrinkwrap.

Three printings of the same book (John Muir’s Our National Park) in fair, good and fine condition.

Removable elements. Some books were issued with a dust jacket. When buying used, a bit of research is necessary to figure out if that was the case, since dust jackets are often missing from used offerings. A first edition (later printing) copy of John Muir’s Unsere Nationalparks with a dust jacket is worth ten times more than one without. Because of the book’s size, the dust jacket for Edward Weston’s My Camera at Pt. Lobos is frequently damaged, so a dust jacket in excellent condition is particularly rare. To separate photographs from captions or commentary a separate booklet may be included, for instance when the book is printed full bleed like Sebastio Salgado’s major projects.

Quite a few Japanese books include belly bands. Easily lost or damaged, not mentioned by the publisher, they sometimes contribute to most a book’s value.

Signed copies. There is a saying that the difference between a poster and an art print is the artist’s signature. It is not entirely true, because the printing process matters a great deal. Still, an artist’s signature helps in conferring to a book the status of an art object. Some signatures are rarer than others, and this varies from book to book.

The very social Ansel Adams signed many more books than Edward Weston. Wann My Camera at Pt. Lobos was published, Edward Weston was sick with Parkinson’s disease, so signed copies are extremely rare. The proper spot for a signature is normally the half-title page – the page where the only type is the title. Signatures can be obtained at lectures, gallery openings, and of course book signings. Pre-signed copies are sometimes available from the publisher or a gallery. Inscribed copies include, in addition to the signature, an inscription to a person. When the person is not of particular note, the inscription devaluates the signature, however, when they are, the inscription makes the book a valuable “association copy”.

I like my books personalized as a memento of a connection with the artist. A book just signed may have a higher resale value, but I plan to hold onto those.

What to Collect?

If you buy books that you like, whether they appreciate doesn’t matter. With experience, you will be able to spot good books, well-made, and with inspired works in any genre, collectible or not. However, if you stick only to your present interests, you may be missing a lot of the vast world of photography. There are so many photography books out there that knowing where to start can be daunting. Anybody who studies literature reads through a list of classics. Photography has also its classics, representing a consensus of curators and critics.

In the 20th century, the history of the photography book was kind of hidden within the history of photography. Since the beginning of this century, its narrative as a full medium has emerged. In 2001, Andrew Roth published the first authoritative English-language study of photography books, The Book of 101 Books: Seminal Photographic Books of the Twentieth Century.

Three years later, Martin Parr and Gerry Badger vastly expanded Roth’s survey with The Photobook: A History (Volume I), followed by Volume 2 (2006) and Volume 3 (2014). Those foundational works form an excellent introduction to photography books and feature a wealth of titles in an engaging format.

Note, however, that their selected books share the authorial stance of an extended essay and a specific social/cultural theme, leaving out for example most of the American modernists, and omitting many genres. Three that interest me are landscape, including nature landscape (surveys: Ansel Adams, Eliot Porter, Philip Hyde, Galen Rowell, 15 more classic color nature photography books), nude, and all photographer retrospective monographs. All those books about books except Parr/Badger Volume 3, have become collectible themselves. Unfortunately, they have also caused many of the books featured to rise in price and become quite expensive. It wouldn’t be the worse idea to buy Volume 3 now and see which of the books mentioned are still reasonably priced. The success of the Parr/Badger series has spawned several books surveying a particular region or country’s photography books.

For reviews of new titles, blogs are your best bet. Some of my favorites include 5B4, PhotoBook Journal, Collector Daily, and Photo Eye. To see what titles caught the attention of the blogosphere in a given year, refer to an initiative called the “photobook meta-list” that attempts to aggregate many “best of the year” lists.

The first photobook meta-list was created by Marc Feustel in 2011. I subsequently maintained the meta-list (2012, 2013, 2014, 2015, 2016, 2017). Since 2015, Viory Schellekens has been compiling another meta-list, and discovering that hers was more meticulous and informative than mine, I decided to pass the baton. Here are the links to Viory’s lists: 2015, 2016, 2017, 2018, 2019. In the winter of 2016, Source Magazine used the methodology of the meta-list to create a list of the greatest photobooks of all time.

Where to Find Books

Amazon offers discounts on new titles and free shipping, but their packaging is often inadequate, frequently resulting in bumped corners and other damage. They sell photobooks as commodities, unlike the bookstores specializing in photography books such as Photo-Eye in Santa Fe or Dashwood Books in NYC. Those stores are run by people who know and love the medium, and are often able to procure hard to find books, foreign titles, or signed copies.

If a title sells fast via other channels, the publisher may not send copies to Amazon at all, since of all bookstores, Amazon terms are the most unfavorable to publishers. As a result, if you placed a pre-order or order on Amazon for that “hot” title, by the time you realize that it will not be fulfilled, the title may already have entered collectible territory.

If you are knowledgeable, you can sometimes find bargains browsing used bookstores, and also make trades. However, the better the selection, the better the owner will be aware of the value of their books. In the San Francisco Bay Area, Moe’s Books in Berkeley has the best selection. Such places are particularly valuable because you get to see in person many books. Their number has been declining, as the market has been moving away from brick-and-mortar towards online.

Although not specializing in photography books, used bookstore networks such as Abebooks, Alibris, and Biblio give access to reliable professional used booksellers, especially those affiliated with the Antiquarian Booksellers’ Association of America, whose meticulous descriptions can be relied upon. The best way to mobilize those vast resources is to use the bookstore meta search engine Bookfinder.com.

I try to buy books directly from artists when possible in order to obtain a signature. It also helps them financially, since a book sold through retail earns the author only 5-10% of the list price. If you really get bitten by the photography book bug, you may want to travel attend some of the fairs and festivals dedicated to the medium that takes place annually.

Collecting photography books is a great hobby that I highly recommend provided that you don’t plan to move too often.


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